Эпоха, стиль, жанр :Северный Ренессанс
Бальдунг (Baldung; прозвище – Грин, Grien) Ханс (около 1484/86–1545). Испытал влияние Альбрехта Дюрера (в мастерской которого работал в 1502–1504) и Маттиаса Грюневальда. Бальдунг работал главным образом в Страстбурге, но с 1512 до 1517 жил в Фрайбурге, где работал над своим шедевром - высоким алтарем для собора Фрейбурга, центральная панель которого - лучистое изображение коронации Богородицы. В работе над алтарем Ганс Бальдунг, волшебным образом, объединил пейзажи, фигуры, свет и цвет. Рационализм эпохи Возрождения, особенно сказавшийся в портретах Бальдунга (портрет Амброзия Вольмара Келлера, 1538, портрет графа Людвига Лёвенштайна, 1513, Картинная галерея, Берлин-Далем), часто сочетается в его творчестве с мистикой, обобщенная пластика – с дробными, ломаными ритмами (главный алтарь собора во Фрайбурге-им-Брайсгау, 1512–1516; "Смерть, целующая женщину”, 1517, художественное собрание, Базель). В рисунках и гравюрах на дереве Бальдунг создал особую манеру передачи светотени контрастами ярких бликов ("Колдуньи”, гравюра на дереве, 1510). Творчество Бальдунга - изменчиво и многообразно, включает религиозные работы, аллегории и мифологию, портреты, проекты для цветного стекла и гобеленов, и большое количество графических работ, особенно книжных иллюстраций. Его характерные, довольно небольшие по размеру картины - это эротические аллегории (как например, "Рыцарь, молодая девушка и смерть", 1505, Лувр, Париж, "Смерть и Девушка", 1521), к которым Бальдунг обращался много раз. Эротизм часто присутствует в поздних работах Бальдунга, наиболее известная из которых гравюра - "Очарованный стойкий молодой человек" (другое название "Заколдованный жених", 1544), интерпретированная как аллегория страсти (или некоторыми, как аллегория похоти). С другой стороны картины художника Ганса Бальдунга Грина, посвященные изображению возраста и виртуозные по манере рисунка, довольно символичны по зловещему смыслу.
Самые известные полотна :

Алтарь святого Себастьяна, триптих
1507, Нац. музей, Нюрнберг


Портрет Якоба фон Морсперга
1525, Гос. собрание, Штутгарт

Эпоха, стиль, жанр:Рококо и Неоклассицизм
Батони (Batoni Pompeo) Помпео Джироламо (1708-1787), известный итальянский живописец стиля рококо и неоклассицизма. Родился в Лукке, в семье ювелира. Вероятно уроки отцовского ремесла сказались в последовательной приверженности Батони к ювелирной отточенности и изяществу формы. Учился в Риме у Агостино Мазуччи и Себастьяно Конка. Первые произведения, в которых общих чертах оформляется стиль Батони, относятся к началу 1730-х годов. Судьба Батони сложилась удачно. Он не имел недостатка в заказах на алтарные образы и аллегорические картины. Слава портретиста привлекала в его мастерскую высшую аристократическую знать. Искусство Батони не знало конфликтов с общественным вкусом и находило неизменное признание у современников. Основное направление работ Батони - картины на мифологические и аллегорические сюжеты ("Падение Симона-мага", 1741, Церковь Санта Мария дельи Анджели в Риме; "Ахилл у дочерей царя Ликомеда", 1745, Флоренция, Уффици; "Диана и Купидон", 1761, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; "Святое семейство", 1777; "Геркулес на распутье между Добродетелью и Пороком", 1765; "Воздержанность Сципиона Африканского", 1772 - все три Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) и портреты (императора Иосифа II и его брата Леопольда Тосканского, Художественно-исторический музей, Вена; портрет маркиза Джона Монтермера, собрание герцога Баклей, Ратлэнд и др.).
В ранних работах Помпео Батони сказались традиции барокко, отразившиеся в перегруженности композиции, в беспокойном ритме форм и цветовых контрастов ("Падение Симона-мага"). Однако изучение творчества Рафаэля и идеи неоклассицизма вскоре изменили его стиль. Все чаще художник стал обращаться к сюжетам с аллегорическим подтекстом, в которых немаловажное значение приобретает идея доблести, победы долга над личными привязанностями. Меняется и формальный строй работ Помпео Батони. Художественный язык становится ясным, строгим, форма обозримой, классические мотивы легко узнаются в позах, в трактовке лиц, рисунке обнаженных тел.
Самые известные картины:


Аполлон и две музы, 1741
Вилянувский дворец, Варшава

Диана и Купидон, 1761
Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Эпоха, стиль, жанр:Фотореализм
Джулия Белл (Julie Bell), американский фотохудожник и иллюстратор. Родилась в 1958 году в Бьюмонте, штат Техас. С детства ее привлекало искусство рисования, особенно человека и животных. Прошла обучение искусству фотографии, рисунка и живописи в шести различных колледжах и университетах.
В настоящее время Джулия Белл является яркой звездой в искусстве фэнтези.
Она создает рекламные иллюстрации для элиты корпоративного мира, таких фирм как Найк, Кока-Кола, компании Форда, занимается иллюстрированием книг для всех крупных издательств Нью-Йорка, а также оформлением художественных альбомов и обложек популярных журналов. Она стала первой женщиной, которая живописала Конана для Марвэл Комикс. Ее первый вариант обложки журнала Хэви-металл произвел настоящую сенсацию, для этого она использовала в оформлении теперь уже легендарную "металлическую плоть". Ее "металлическая плоть" имеет текучесть воды одновременно с твердостью стали, в то же время сохраняя чувственную мягкость кожи.
Этот магический эффект стал ее легко узнаваемой маркой. Ее гиперреалистический стиль известен своими мощными и эротичными изображениями воинов и амазонок и чувственного, изящного использования цвета и структуры. Джулия Белл редко рисует людей с натуры, обычно она имеет дело с фотографиями натурщиков, талантливо преобразовывая их в свои сюрреалистические и фэнтазийные картины. В свое время Джулия Белл серьезно занималась бодибилдингом, выступая на различных соревнованиях. В настоящее время просто поддерживает форму и увлекается йогой. В ее искусстве всегда видны элементы силы и независимости.
Джулия Белл и Борис Валледжо сочетались браком в 1994 году и живут очень счастливо.
Официальный сайт Джулии Белл
Наиболее известные картины :

Бахус и Ариадна

Геракл и Гидра

Эпоха, стиль, жанр: Кватроченто
Беллини Якопо (Bellini Jacopo) (1400-1470) Якопо Беллини - глава семьи итальянских живописцев, основоположников искусства Возрождения в Венеции. Художник при мягкой лиричности образов сохранял связь с традициями готики ("Мадонна с младенцем”, 1448, Галерея Брера, Милан). В его рисунках, полных живых наблюдений (зарисовки античных памятников, архитектурные фантазии), отразился интерес к проблемам перспективы, влияние А.Мантеньи и П.Уччелло.

Ведущий представитель венецианской школы живописи первой половины 15 века; ученик Джентиле да Фабриано, мастера, работавшего в стиле «интернациональной» готики. В 1420-е годы вместе со своим учителем Якопо работал во Флоренции. Это было время зарождения в творчестве Донателло, Гиберти, Мазаччо, Брунеллески и других нового ренессансного стиля.

Произведения монументальной живописи, созданные Якопо Беллини, не сохранились, но его станковые работы свидетельствуют, что художник соединял в своей живописи элементы готического и нового ренессансного стиля: декоративность, обилие деталей, изысканность и вычурность поздней готики и интерес к реалистическому изображению предметов в пространстве, характерный для эпохи Возрождения.

Увлечение проблемами зрительного восприятия заметно в рисунках из двух альбомов, хранящихся в Лувре и Британском музее, назначение и датировка которых (возможно, 1440–1450) остаются спорными. В них содержится множество зарисовок самых разных сцен – мифологических, библейских и фантастических. Чувствуется интерес мастера к археологии, проблемам перспективы и другим способам организации изображения. Большинство рисунков, очевидно, являются законченными произведениями, тем более что ни одна из известных картин художника непосредственно с ними не связана. Среди рисунков впервые появляются сюжеты особого, характерного именно для венецианцев жанра: сцены из праздничной и повседневной жизни города. Этот жанр успешно нашел свое продолжение в творчестве сыновей Якопо, Джентиле и Джованни Беллини, а также целого ряда других мастеров в последующие годы.
Самая известная картина :

Мадонна с младенцем Христом и преклоненным Лионелло д'Эсте
1450, Музей Лувр, Париж

Эпоха, стиль, жанр :Барокко, натюрморт, пейзаж
Бейерен Абрахам ван (Abraham van Beyeren) (1621–1690)
Голландский живописец эпохи барокко. Работал в основном в Гааге, Делфте, Амстердаме. Писал морские пейзажи и натюрморты, ранние картины из которых просты и ясны по композиции, подбору вещей, отмечены тонкой передачей материальности предметов и их связи с повседневной жизнью человека ("Завтрак”, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). Поздние натюрморты Абрахама ван Бейерена – эффектные декоративные композиции с богатым и изысканным набором предметов, виртуозным сопоставлением различных фактурных поверхностей, утонченностью красочных сочетаний ("Десерт”, Государственный музей, Амстердам).
Наиболее известные картины :

Натюрморт с омаром, 1667
Городской музей, Лос Анджелес

Морской пейзаж, 1660-е
Частная коллекция

Жанр : Модерн
Богаевский Константин Федорович (12.1.1872, Феодосия, - 17.2.1943, там же), - русский художник-пейзажист, живописец и график, создатель оригинального эпически-романтического стиля пейзажа восточной части Крыма - Киммерии.
В 1890 году Богаевский поступил в Академию Художеств, где работал в мастерской Архипа Куинджи. Весной 1898 года Богаевский совершил путешествие в Италию, где познакомился с картинами Клода Лоррена, ставшего его еще одним учителем. А во время второго посещения Италии в 1909 испытал влияние Андреа Монтеньи, Никола Пуссена.
Выставлять картины Богаевский начал с 1898 года, в Новом обществе художников, являясь одним из его основателей, в Московском товариществе художников, Союзе и Мире Искусства. В 1906 году участвовал в выставке Exposition del Art Russe, устроенной Сергеем Дягилевым в Париже при Salon d'Automne.
С 1911 года Богаевский входит в объединение «Мир искусства». По примеру старших мирискусников Богаевский ввел в пейзаж историческую тему. Богаевский обратился не просто к природе Киммерии с ее величественными горами, складками холмов и ослепительным солнцем, а к истории земли, ее античных городов, создав особый жанр «археологического», исторического пейзажа. Область творчества Богаевского - обожженные солнцем пустыни юга, нагромождения камней и скал, как "Древняя земля" (1906), "Алтари вселенной" (1908), "Южная страна. Пещерный город" (1908), "Киммерийская область" (1910); порою вымершие, фантастические развалины городов, крепостей, как "Крепость у моря" (1902), "Мертвый город" (1906), "Гора святого Георгия" (1912); порою античные руины Италии, оживленные огромными деревьями, гармоничные и изысканные тона которых делают их похожими на старинные гобелены, как "Воспоминание об Италии" (1910), "Пейзаж с померанцами" (1912); в этих произведениях чувствуется некоторое влияние Пуссена и Клода Лорена, хотя пути Богаевского совершенно обособлены и самостоятельны.
Наиболее известные картины :

"Корабли. Вечернее солнце"
1912

"Крымский пейзаж" 1930
Картинная галерея, Феодосия

Жанр : Высокое Возрождение
Боттичелли Сандро [собственно Алессандро ди Мариано Филипепи, Alessandro di Mariano Filipepi] (1445, Флоренция — 17 мая 1510, Флоренция), итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы. Сандро Боттичелли — один из самых ярких художников итальянского ренессанса. Он создал пленительные по своей возвышенности образы-аллегории и подарил миру идеал женской красоты. Родился в семье дубильщика кожи Мариано ди Ванни Филипепи; прозвище «Боттичелло» — «бочоночек» — унаследовал от старшего брата Джованни. Среди первых сведений о художнике — запись в кадастре 1458 года, сделанная отцом о нездоровье своего младшего сына. По окончании учебы Боттичелли стал подмастерьем в ювелирной мастерской своего брата Антонио, но долго в ней не задержался и около 1464 перешел в ученики к монаху фра Филиппо Липпи из обители Кармине, одному из самых знаменитых художников того времени.
Стиль Филиппо Липпи оказал на Боттичелли огромное влияние, проявившееся главным образом в определенных типах лиц (в повороте в три четверти), декоративности и орнаментальности рисунка драпировок, рук, в склонности к детализации и мягком высветленном колорите, в его «восковом» свечении. Нет точных сведений о периоде обучения Боттичелли у Филиппо Липпи и об их личных отношениях, но можно предположить, что они вполне ладили между собой, поскольку через несколько лет сын Липпи стал учеником Боттичелли. Их сотрудничество продолжалось до 1467 года, когда Филиппо переехал в Сполето, а Боттичелли открыл свою мастерскую во Флоренции. В произведениях конца 1460-х годов хрупкая, плоскостная линеарность и грация, перенятые от Филиппо Липпи, сменяются более объемной трактовкой фигур. Приблизительно в это же время Боттичелли начал применять охристые тени для передачи телесного цвета — прием, который стал приметной чертой его стиля. Ранним работам Сандро Боттичелли свойственны ясное построение пространства, четкая светотеневая лепка, интерес к бытовым деталям ("Поклонение волхвов”, около 1474–1475, Уффици).
Наиболее известные картины :

Весна, 1477-1478
Галерея Уффици, Флоренция

Рождение Венеры, 1482
Галерея Уффици, Флоренция

Браманте Донато (Bramante Donato) (1444–1514)
Крупнейший представитель итальянского зодчества эпохи Высокого Возрождения. Собственно, настоящее имя итальянского архитектора Паскуччо д'Антонио (Рascuccio d'Аntonio). Родился в местечке Монте-Аздруальдо, ныне Ферминьяно, близ Урбино. Юность провёл в Урбино, где воспринял передовые гуманистические идеи Пьеро делла Франческа и Лучано Лаураны. В 1470-х годах переехал в Милан, где испытал влияние архитектурных идей Леонардо да Винчи. Работал в Милане и (с 1499) в Риме. Постройки Браманте (церковь Санта-Мария прессо Сан-Сатиро с сакристией и капеллой, хор и клуатр церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане; фасад палаццо Канчеллерия и двор Бельведера в Ватикане в Риме) отличаются стройным величием, гармоничным совершенством пропорций, ясностью монументальных пространственных решений, творческим использованием классических форм.
При перестройке церкви Санта-Мария прессо Сан-Сатиро в Милане (1479-1483): перекрыв главный неф и трансепт мощными цилиндрическими сводами, Браманте использовал перспективную роспись и рельеф, чтобы изобразить перекрытый таким же сводом хор; там же Браманте осуществлены гармоничные центрические композиции сакристии и небольшой капеллы Снятия со креста. В церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане (1492-1497) Браманте создал хор и светлое просторное средокрестие, увенчанное лёгким куполом; цельность замысла сочетается здесь с традиционной для зодчества Ломбардии декоративностью. Браманте принадлежит и основной замысел собора в Павии (1488-92), с куполом, высоко поднятым на 8 стройных столбах над обширным средокрестием.
Переехав в 1499 в Рим, Браманте занял здесь ведущее место среди архитекторов, которые создали общеитальянский стиль Высокого Возрождения, повлиявший на всё европейское зодчество. Строг и величав завершенный Браманте в 1499-1511 фасад дворца Канчеллерия; его внутреннему двору с 2 ярусами изящных аркад Браманте придал лёгкость и пластичность. Оригинальна композиция дворика церкви Санта-Мария делла Паче (1500-1504), столбы которого в нижнем ярусе несут аркаду, а в верхние, перемежаясь с коринфскими колонками, завершаются архитравным перекрытием. Наибольшей пластичной цельности и жизнерадостной гармонии Браманте достиг в маленькой купольной часовне-ротонде Темпьетто во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио (1502), окруженной внизу римско-дорической колоннадой и расчленённой в обоих ярусах полукруглыми нишами.
С 1503 Браманте вёл по поручению папы Юлия II обширные работы в Ватикане. Им созданы здесь двор Сан-Дамазо (около 1510) и достигающий в длину около 300 м, завершенный огромной нишей двор Бельведера (1503-1545) для турниров и зрелищ; разница в уровнях его 3 террас использована для создания мест для зрителей и грота с фонтанами. Двор Бельведера, развивая приёмы древнеримских ансамблей, предвосхитил композицию многих вилл последующего времени. До конца жизни Браманте проектировал и строил грандиозный собор святого Петра в Риме. Им было предложено центрическое сооружение с планом в виде вписанного в квадрат равноконечного креста, с мощным сферическим куполом над средокрестием, 4 малыми куполами и башнями по углам. Проект не был осуществлен, но его идеи воплотились во многих центрально-купольных зданиях Италии и других стран.
Поиски Браманте образа пластически цельного, совершенного в своей законченности центрического сооружения (часовня-ротонда Темпьетто во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио, 1502; проект собора Святого Петра, 1506–1514, - оба в Риме) во многом были восприняты Рафаэлем и другими итальянскими архитекторами, воплотились во множестве центрально-купольных построек Италии и других стран Европы.
Творчество Браманте - одна из вершин архитектуры Возрождения. Браманте создал архитектурные образы, замечательные гармоничным совершенством и цельностью, свободным, творческим применением классических форм. Умер Браманте в Риме 11 марта 1514 года.
Наиболее известное произведение :

Собор святого Петра, 1506-1667, Рим

Стиль:Модернизм и Кубизм
Французский живописец, график, скульптор, сценограф, один из основателей кубизма, автор многих декоративно-изящных композиций. Родился Жорж Брак 13 мая 1882 в Аржантей-сюр-Сен в семье маляра. Учился в гаврской Школе изящных искусств (1897-1899), затем в Париже в академии Эмбера и в Школе изящных искусств (1902-190З). В академии Эмбера Брак познакомился с Мари Лорансен и Франсисом Пикабиа. Серьезное увлечение искусством модернистов произошло в 1905 году, когда он заинтересовался фовизмом. В то время он находился под влиянием Сезанна. В 1907 состоялось знакомство Брака с Пикассо. В последующие годы в тесном сотрудничестве двух художников был выработан новый метод, положивший начало направлению кубизма. В работе «Обнаженная» (1907—1908, Париж) Брак продемонстрировал аналитическую фазу движения с острым ощущением структуры, аккуратным методом разбивания на объекты. В 1909-1911 годах, в период «аналитического кубизма», колорит Брака ограничен узкой гаммой глухих тонов, натурные формы рассекаются на мелкие призматические грани, образующие подвижную кристаллическую структуру («Скрипка и палитра», 1910, Нью-Йорк, Музей С. Гугенхейма; «Португалец», 1911, Базель, Художественный музей).
Самые известные картины :

Пейзаж в стиле марина, 1906
Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид

Кларнет и бутылка рома на камине
Музей современного искусства, Париж.

Жанр :Неоклассицизм
Брюллов Карл Павлович (Briullov Karl) (1799—1852), русский художник. Родился Брюллов в обрусевшей немецкой семье скульптора-резчика и живописца миниатюр в Петербурге 12 (23) декабря 1799. В 1809–1821 годах учился в Академии художеств, в частности у живописца исторического жанра Андрея Ивановича Иванова. В 1821 году Карл Брюллов был удостоен золотой медали Академии за картину: "Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврийского" и права продолжения обучения живописи в Италии за казенный счет. В 1823–1835 годах Брюллов работал в Италии, испытав глубокое воздействие античного, равно как и итальянского ренессансно-барочного искусства. Итальянские картины Брюллова проникнуты чувственной эротичностью ("Итальянский полдень", 1827, Русский музей, Санкт-Петербург; "Вирсавия", 1832, Третьяковская галерея); в этот период окончательно формируется и его дар рисовальщика. Брюллов выступает и как мастер светского портрета, превращая свои образы в миры сияющей, «райской» красоты ("Всадница" или конный портрет Дж. и А.Паччини, 1832, Третьяковская галерея). Стремясь к большим историческим темам, в 1830 году, побывав на месте раскопок древнеримского города, разрушенного извержением Везувия, Брюллов начинает работу над картиной "Последний день Помпеи". Многофигурное трагическое полотно становится в ряд характерных для романтизма «картин-катастроф».
Самые известные картины :

Итальянский полдень
1827, Русский музей

Всадница
1832, Третьяковская галерея

Последний день Помпеи
1833, Русский музей